Doug Aitken fényes táj lázálma
A kaliforniai művész új multimédiás kiállításán többek között Beck, Natasha Lyonne és Philip Glass is látható. Itt úgy beszél a művészetről, mint a „fehér zaj és a kívülről jövő szorongás” szembeállításáról. a mi irányításunk »
Doug Aitken telefonál kaliforniai otthonából, egy buja környezet előtt ülve, amely filmje jeleneteire emlékeztet Fényes táj. Az egész ház egyfajta műalkotás és hangszer, amelyet a művész tervezett, beleértve az asztalt is, amelynél ül, és amely elmondása szerint hangolt és játszható márványszeletekből készült. „A „A ház be lehet kapcsolva” – mondja. „Vannak mikrofonok, amelyek a földbe mennek, és felerősíthetik a föld vagy az óceán mozgásának hangját az utcán..” Ideális helyszín egy helyspecifikus installációiról ismert művész számára, legyen szó akár éjszaka városi épületekre vetített mozgóképekről (Sleepwalkers, 2007), több részből álló „történésről” az Egyesült Államokon áthaladó vonatút során (Station to Station, 2013), vagy szoborsorozatról az óceán hullámai alatt2016 (Underwater Pavilions).
A Lightscape az Aitken új magával ragadó kiállításának a horgonya a New York-i The Shed-ben, egy hétcsatornás moziinstalláció harsogó zenével, amelyet élő előadások aktiválnak a műsor adása során. A művet egy bolygóhoz hasonlítja, amelynek különböző aspektusai a médiák széles skáláját képviselik, a zenétől és a mozitól az installációig és a performanszig. „Valójában arról van szó, hogy megfontoljuk azt az elképzelést, hogy a művészet teljesen dematerializálható, és hogy a művészet bármilyen eszköz lehet – szabadon áramolhat bármilyen médián, legyen az film, szobor vagy performansz.”
Maga a film, amelyet a tervek szerint még ebben az évben bemutat, összefüggő, Altman-stílusú matricák sorozata, amelyek különböző karaktereket követnek – akiket többek között Natasha Lyonne és Beck alakít –, amint destabilizáló jelenünk különböző textúrái között navigálnak. Repülőnyomok tornyosulnak a fejünk fölött, a gépek furcsa szinkronban végzik munkájukat, a városi sötétségben pedig a fények jeleznek és mozognak. Az elidegenedés és a gyorsaság ezen szeletei között egy kertész, aki Richard Neutra házának földjét karbantartja, egy nyüzsgő erdőben találja magát, hatalmas, csomós gyökerekkel, mint egy őskori dzsungelben. Ez egy megragadó pillanat, amely kivezet minket az atomizált „most”-ból a mély időbe, egy olyan szenzációt, amelyet a The Shed kiállítása is kiváltani kíván.
Itt a fáradhatatlan művész erről a hipnotikus munkáról, az együttműködési ösztönről és egy új projektről beszél, amelyet a 2025-ös Los Angeles-i erdőtüzek törmelékéből kovácsol.
Laura Allsop: Hogyan jönnek össze a munka különböző elemei a The Shedben?
Doug Aitken: A New York-i installáció hét képernyős lesz, és nagyon építészeti jellegűek. Belépsz ebbe a sötét térbe, és ezek a különböző képernyők veszik körül, szinte óriásplakátok vagy mozgó jelzések. Sétálhat a tér közepébe, leülhet vagy lefeküdhet, vagy egyszerűen eltévedhet. Olyan környezetet akartam teremteni, amelyben a műalkotás feloldódik és a nézővel játszadozik. Ez egy nagyon nem lineáris történet, több karakter is van, akikhez újra és újra visszatérünk, de ez nem egy hagyományos dialógus vagy dráma által vezérelt szerkezet. Ez sokkal inkább egy grafikus narratíva, amelyet egyrészt a zene, a hang és az ismétlési minták, másrészt a különböző egyének teljesen különálló helyeken mozgatnak, de összehozzák ezt a nagyobb történetet. Tehát minden megvan a gépesített robotgyártól az elszigetelt, kopár sivatagi tájig, ahol egy migráns bányász halad át az űrben teherautóján. Ezek az igazán radikálisan változatos történetek összefonódnak, és összetettebb képet alkotnak arról, hogy kik vagyunk ma és hogyan fejlődünk. A Lightscape-et filmes koreográfiának tekintem: mozgóképet használunk, de szinte táncként is nézünk rá. Abban, ahogy a képernyők játszanak egymással, vannak ok-okozati pillanatok, amikor az egész kiállítás lótuszvirágként meghajlik vagy összehúzódik.
LA: A cím, mint minden címed, nagyon hangulatos, és kíváncsi voltam, mit jelent számodra a Lightscape szó?
DA: Azt hiszem, a Lightscape jutott eszembe, amikor azon gondolkodtam, hogyan ábrázoljam a modern tájat. Lenyűgöző időket élünk, amikor a fikció és a nem fikció közötti határvonalak elmosódnak, a táj gondolata kérdés. Kinézünk az ablakon, és ez egy épített táj: a fákat emberek ültették, az utcák ki vannak kövezve, az égbolt repülõgépek törik össze, és a kapcsolat és az elektromosság láthatatlan jelei járnak át rajtunk, miközben beszélünk. Ez nagyon eltér a hagyományos tájtól, de geológiai táj, a mély idő és a mély ökológia érzése. Hogyan írjuk le ezt és hogyan határozzuk meg? Mert szerintem fontos, hogy ezt ne vegyük természetesnek, és ne feltételezzük, hogy ez az állapot normális (nevet).
LA: A munkád nagyon együttműködő. Mesélnél nekem a Lightscape-en végzett együttműködésekről és arról, hogy mit hoztak a projektbe?
ÉS: Szeretem, amikor egy műalkotás hatalmas étkezőasztalt tud készíteni, másokat is meghívva az alkotásra, megosztásra és részvételre. Én is szeretem az improvizációt. Annyira, amit magunk körül látunk, annyira megkonstruált, annyira mesterséges, és tetszik az ötlet, hogy amikor egy alkotást készítesz, ott van hely a spontaneitásnak. Natasha Lyonne-nal mindig is szerettünk volna csinálni valamit, és amikor ez a projekt felbukkant, volt ötletem egy karakterre, de a karaktert valóban in situ találtuk ki. A jelenetben van Bryn (Mooser), aki a volt szeretője, és erre a nőre gondoltunk, aki egy luxusrezidenciában néz ki, és az üveg elválasztja az élettől. Szinte olyan, mint egy gyönyörbörtön, amelyet nem tud megtörni, és az őt körülvevő világot, annak keringését, változatosságát, sokszínűségét nézi, de csak a kukkoló prizmáján keresztül. Olyan volt, ahol találtunk egy szobát, és elkezdtünk improvizálni. Sok jelenet volt ilyen. A helyszín volt a forgatókönyv, de ami ott történt, azt tényleg a helyszínen találták ki.
LA: A horizont nagyon fontos a filmben, és már beszéltél arról, hogy a horizont szimbolizálja azt, ami előttünk áll. Ez egy rendkívül nyugtalan időszak – mit gondol a jövőről?
ÉS: Emlékszem, megkérdeztem Paolo Solerit, az építészt – aki 90 éves volt –, hogy mi az elképzelése a jövőről? És csak nézett rám, és azt mondta: „Nem teheted fel ezt a kérdést.” Azt mondta, a jövő csak egy fordulópont, fogalmunk sincs – csak a jelenünk van, és csak erre kell koncentrálnunk. Egyrészt víziókkal kell rendelkeznünk arról, hogy merre indulhatunk el, személyesen vagy társadalomként, de másrészt megvan a jelenlét és a jelen ereje is, és ez az, amit nem veszíthetünk el. Hihetetlenül nehéz idők járnak ezek mind politikailag, mind társadalmilag. Hogyan tudunk ezen eligazodni? De szerintem ez bizonyos értelemben a kreativitáshoz és a kultúrához nyúlik vissza. Ez egy olyan tér, amelyhez ragaszkodnunk kell, és értékesebb, mint valaha, mert a fehér zajjal és a szorongással szembeni ellenállás az, ami készségünkön és ellenőrzésünkön kívül esik.
LA: Általában hajlamos vagy egyszerre sok különböző dolgon dolgozni. mi vár rád?
DA: Számos dolog van – az egyik egy projekt, amely az egy évvel ezelőtti Los Angeles-i tüzeken alapul. Nyolc hónapja gyűjtjük és gyűjtjük az anyagokat, és jelenleg azon dolgozunk, hogy az anyagokat olyan hangszerekké alakítsuk át, amelyeket a táj megszólaltathat. Azt akarom látni, hogy a tűzzóna zenét és hangot hoz létre a törmelékéből.
Doug Aitken: Fényes táj 2026. június 25-től szeptember 13-ig látható a New York-i Shedben.
